Anhand von zwei Inszenierungen, die beim „festival premières“ in Straßburg präsentiert wurden, lässt sich gut aufzeigen, wie ein historischer Text erfolgreich zeitgerecht auf die Bühne gebracht werden kann – und wie nicht.
Gouttes dans l'océan (c) Laquerelle
Um das misslungene Experiment voranzustellen: Mit dem Stück „Tropfen im Ozean“, im Deutschen häufiger unter dem Titel „Tropfen auf heiße Steine“ zitiert, einem Jugendwerk von Rainer Werner Fassbinder, in Szene gesetzt von Matthieu Cruciani, wurde eine Arbeit präsentiert, die ein immer wiederkehrendes Thema des Autors behandelt: Die bisexuelle Liebe und ihre Verstrickungen. Fassbinder, zu seiner Zeit eine Kultfigur, brachte dieses 1964 geschriebene Stück selbst nie zur Aufführung. Cruciani jedoch wagte sich an das Thema, das vor 40 Jahren noch brisant war, heute jedoch jegliche Schärfe verloren hat und, was schlimmer wiegt, er versetzte es sowohl optisch als auch interpretatorisch in die Zeit seiner Entstehung. Das Bühnenbild präsentierte sich ganz im Outfit der frühen 70er Jahre – ein Appartement mit Glas- und Stahlrohrmöbeln und die beiden Hauptakteure hielten sich brav an den vorgeschriebenen Text. Eine unendliche Abfolge von Dialogen in unterschiedlichen Gemütszuständen war die Folge. Die Regie verlangte – bis auf die Hinzufügung einer großen Leinwand, auf der während der Umkleidepausen groteske Werbeeinschaltungen mit Menschen, ebenfalls gekleidet im70er Jahre-Look, zu sehen waren – keinerlei aktuelle Hinweise und ließ sogar außer Acht, dass das bunte Bäumchen-wechsle-dich-Spiel von Fassbinder, in dem schlussendlich jeder mit jedem in die Kiste hüpfen hätte wollen, ehemals einen veritablen Skandal produziert hätte. Vielmehr gestaltete sich das Geschehen, trotz einiger Schreiexzesse so brav, dass man dabei leicht ins Traumland nicken konnte, wie der junge Herr in der Reihe vor mir. Schier endlos stritten sich Yann Métivier und Julien Geskoff, deren schauspielerische Leistung jene der Regie weit übertraf. Doch neben einer gehörigen Portion mehr an eigenem Statement, die Cruciani aufbringen hätte können, wären es alleine schon die Beachtung einiger handwerklicher Theaterregeln gewesen, die dazu beitragen hätten können, das Publikum stärker zu fesseln. Dass bei ihm Leopold mit dem Rücken halb vom Zuschauerraum abgewandt sitzen musste und seine Sprache dadurch hauptsächlich im Bühnenrund und nicht beim Publikum ankam, war leicht ärgerlich. Und auch das Außerachtlassen von halbwegs nachvollziehbaren Handlungen wirkte eher störend. Die bei ihm völlig unmotivierte Hinwendung der ehemaligen Geliebten von Franz zu Leopold, und die extrem einfache Charakterisierung der ehemaligen Freundin von Leopold als dümmliche Marionette, vermittelten weder deren Charaktere, noch deren wahre Ambitionen und seelische Antriebsmomente. Einzig die impulsive Liebesgabe von Franz an Leopold kam verständlich über den Bühnengraben und somit auch Franz Selbstmord, als ihn der Geliebte wegstößt und mit seiner ehemaligen Freundin betrügt. Fassbinders Stück gibt mehr her als ein seichtes Kammerspiel mit Licht an – Licht aus- Momenten und voraussehbaren Auf- und Abgängen. Es enthält packende psychologische Momente – Cruciani dürfte diese jedoch – wie der Herr vor mir in der Reihe – verschlafen haben.
Sanjari - Die Schwärmer (c) Emma Szabol
Dass es auch anders geht, erlebte man bei der Neuadaption von den „Schwärmern“ von Robert Musil. Der in Belgrad ausgebildete Regisseur Milos Lolic trat mit diesem an Geschehen so armen, aber an psychologischer Dramatik so reichem Stück an und reüssierte dank eines waghalsigen Unterfangens: Er ließ im ersten und letzten Teil alle Schauspielerinnen und Schauspieler mit einem Mikrofon auftreten und fast immer direkt ins Publikum sprechen. Die Kommunikation, die so „wie auf Schienen“ lief, konnte sich, auf diese Weise auch bildlich dargestellt, schwer in die Gefühle der Akteure einschleichen. Zu sehr waren sie mit sich und ihrem Seeleninnenleben beschäftigt, zu sehr war für sie die Reflexion wichtiger als jegliche Aktion. Erst, als sich dramatische Szenen abspielen und Joseph Anselm brutal niederschlägt um sich daran zu rächen, dass er ihm seine Frau abspenstig machen wollte, fallen die Mikrofone. Und erst dann bildete sich jene zusammengeschweißte Gruppe, die sich zuvor nicht als Gruppe, sondern als fluktuierende Einzelwesen verstanden, immer bedacht, die eigene Position genau seziert und unter Kontrolle zu haben. Ein Klavierspieler begleitet das Stück – mit dem Rücken zum Publikum gewandt. Seine Musik gibt auf gelungene Art und Weise die einzelnen Stimmungen wieder, die in den Dialogen von allen Beteiligten aufgebaut wird. Nur während der Gewaltszene verstummt sie. Wenn Fäuste sprechen, hat die Musik Sendepause. Das Bühnenbild der „Klausur“ in der sich die angeblichen Freunde für ein Wochenende über befinden und in der ihre Beziehungskarten neu gemischt werden, zeigt einen kühlen, vertäfelten Innenraum, wie er in den 70ern und 80er modern war. Die Kostüme und die Frisuren der Damen weisen hingegen auf die Entstehungszeit des Stückes. Mit dem Einsatz der neuen Mikrophontechnik wiederum, gelingt Lolic der Anschluss an die Jetzt-Zeit. Bleibt noch zu erwähnen, dass gerade die kühle und wenig interaktive Spielweise von allen Schauspielerinnen und Schauspielern volle Konzentration und Präsenz verlangte. Anforderungen, denen die Truppe wunderbar Stand hielt. Lolic` Interpretation von „Sanjari“, so der serbische Titel, funktioniert aufgrund seiner persönlichen Textanalyse, also seiner intimen Auseinandersetzung mit dem Stück und deren kongruente Umsetzung. Auf diese Weise fügt er Musils Werk neue Dimensionen hinzu – ein eindeutiges Qualitätsmerkmal.
Deux œuvres présentées dans le cadre du « festival premières » à Strasbourg illustrent parfaitement, comment on peut mettre un texte historique sur une scène avec succès – et le contraire !
Gouttes dans l'océan (c) Laquerelle
Pour présenter l’expérience ratée : L’œuvre de jeunesse «Des gouttes dans l’océan» de Rainer Werner Fassbinder, mise en scène par Matthieu Cruciani, parle d’un sujet récurrent de l’auteur : De l’amour entre deux personnes bisexuelles et de ses péripéties.
Fassbinder, en son temps un personnage culte, n’a jamais mis en scène lui-même cette œuvre écrite en 1964. Cruciani s’est attaqué à une thématique encore brûlante il y a 40 ans. Mais non seulement que celle-ci a perdu tout son mordant à l’heure actuelle, mais en plus, le metteur en scène a situé l’action de cette pièce à l’époque de sa création : Et en ce qui concerne l’interprétation, et d’un point de vue visuel. Dans un décor au look des années 70 – un appartement avec des meubles en verre et en tubes métalliques – les deux acteurs principaux ont bien sagement déclamé le texte original. Résultat des courses : Une succession interminable de dialogues, récités dans des états d’âme divers et variés. La mise en scène n’exigeait aucune référence au présent, abstraction faite des spots publicitaires projetés sur un écran géant pendant les changements de costumes. Les acteurs des spots arboraient eux aussi le look des années 70 !
Cette mise en scène est allée jusqu’à ignorer le petit jeu de Fassbinder qui aurait fait un véritable scandale à l’époque : Ce jeu qui consistait à changer de partenaire, jusqu’à ce que, à la fin, tout le monde ait envie de coucher avec tout le monde.
Ici, l’action était si monotone que, malgré quelques vociférations, on pouvait tranquillement faire un petit tour au pays des songes – tout comme le jeune homme assis juste devant moi. Les disputes auxquelles se sont livrés Yann Métiver et Julien Geskoff dont les performances dépassaient de loin celle de la mise en scène, semblaient interminables.
Mais ce qui manquait à Cruciani ce n’était pas seulement une prise de position personnelle. L’autre manquement était la non-application des règles artisanales les plus élémentaires du théâtre. Rien que cela aurait pu contribuer à fasciner le public d’avantage. Adressée à l’arrière de la scène, la parole de Léopold, assis pratiquement le dos tourné au public, était perdue pour celui-ci. C’était un peu agaçant. Tout ce qui pouvait ressembler à une action compréhensible, était mis à l’écart. C’était plutôt dérangeant: Qu’est-ce qui a fait en sorte que l’ex-maîtresse de Franz se soit tournée vers Léopold ? Rien ! Quelle était la raison pour simplifier le caractère de l’ancienne compagne de Léopold à l’extrême pour en faire finalement une marionnette simplette ? Il n’y en avait pas : cela n’a ni montré son vrai caractère, ni ses véritables ambitions et encore moins les secrets de son âme. La seule chose, qui ait traversé le fossé entre la scène et le public de façon compréhensible, c’était le don d’amour de Franz à Léopold. Par conséquent, le suicide de Franz, repoussé par son amant qui le trompe avec son ancienne maîtresse, est compréhensible, lui aussi.
L’œuvre de Fassbinder est bien plus que du théâtre de poche superficiel avec des moments «on allume et on éteint la lumière» ainsi que des entrées et des sorties de scène prévisibles. Dans cette œuvre on trouve des passages psychologiquement passionnants – mais Cruciani ne les a pas trouvés ! Il semblait s’être endormi – tout comme le jeune homme assis devant moi.
Sanjari (c) Emma Szabol
Une nouvelle adaptation des «Exaltés» de Robert Musil prouve, que les choses peuvent être différentes.
Le metteur en scène Milos Lolic, formé à Belgrade, a présenté cette pièce pauvre en action mais riche en moments psychologiques dramatiques. Et il a réussi grâce à un pari osé : Dans la première, comme dans la dernière partie de la pièce, il a fait en sorte que toutes les actrices et tous les acteurs sur scène équipés d’un microphone, s’adressent directement au public. De cette façon, la communication était sur des rails et ne pouvait, comme on pouvait le voir, se mêler des émotions des acteurs. Ils étaient trop occupés par la profondeur de leurs âmes, ils étaient trop occupés à réfléchir pour agir.
Les micros tombent seulement quand des scènes dramatiques se déroulent sous nos yeux : Par vengeance, Joseph assomme brutalement Anselm qui avait essayé de séduire la femme de celui-ci. Et c’est à ce moment que se forme un groupe soudé. Avant, on avait eu à faire à des individus fluctuants, prenant garde à tout moment de garder leur propre position, méticuleusement analysée, sous contrôle.
Un pianiste, dos au public, accompagne la pièce. Sa musique reflète parfaitement les différentes ambiances créées par tous les protagonistes au cours des dialogues. La musique ne s’arrête qu’une fois : Pendant la scène de violence. Quand les poings parlent, la musique se tait.
Le décor de ce lieu retiré consiste en un intérieur sobre, lambrissé, comme c’était la mode dans les années 70 et 80. Les prétendus amis s’y sont retrouvés pour un week-end pendant lequel les cartes de leurs relations sont mélangées de nouveau. Les costumes et les coiffures des femmes indiquent la période de création de la pièce. L’utilisation des microphones reconnecte Lolic avec le présent. Reste à mentionner que cette façon détachée de jouer, sans qu’il y ait d’interaction entre les actrices et les acteurs a justement demandé beaucoup de concentration et toute leur présence aux protagonistes. La troupe était parfaitement à la hauteur de ces exigences. L’interprétation de « Sanjari » (en serbe) par Lolic fonctionne grâce à son analyse de texte personnelle. Elle est donc basée sur un travail en profondeur autour de cette pièce ce qui permet finalement sa transposition concluante.
De cette façon, le metteur en scène rajoute une nouvelle dimension à l’œuvre de Musil – c’est indiscutablement un signe de qualité.
Texte traduit de l’allemand par Andrea Isker
