Que faut-il vraiment savoir sur la création d’une œuvre d’art ?

Que faut-il vraiment savoir sur la création d’une œuvre d’art ?

Michaela Preiner

Foto: ( )

24.

juillet 2022

Jan Lauwers a créé un chef-d'œuvre artistique multidimensionnel avec sa "Needcompany".

[Il y a quelques décennies – je ne sais pas si c’est encore le cas aujourd’hui – on apprenait beaucoup de choses en étudiant l’histoire de l’art. Notamment les styles et leur répartition géographique. On étudiait les bâtiments, les peintures et les sculptures et on faisait des comparaisons. Et si l’on avait déjà suivi des cours d’iconographie, on était également capable d’interpréter le message caché des œuvres d’art pour les profanes. Une fois que l’on avait terminé ses 8 plus x semestres et que l’on pouvait faire précéder son nom d’un titre académique, on se trouvait soudain souvent dans l’embarras de ne pouvoir raconter les données biographiques des artistes que de manière très rudimentaire. Il n’y avait pratiquement pas de place pour eux dans les études, et s’ils en avaient, ils les apprenaient eux-mêmes ou les consultaient en cas de besoin. En revanche, une loi non écrite s’appliquait et s’applique encore aujourd’hui aux œuvres d’art elles-mêmes : si elles sont bonnes, elles n’ont pas besoin de compléments biographiques.

Jan Lauwers, metteur en scène de théâtre belge qui a d’abord étudié la peinture à l’Académie des Beaux-Arts de Gand, pose avec sa nouvelle pièce « All The Good » de nombreux jalons en matière de création d’œuvres d’art et de leur contexte biographique. Elle a été présentée dans le cadre du festival Impuls-Tanz au Volkstheater de Vienne. Avec la Needcompany, cofondée par sa femme Grace Ellen Barkey et lui-même, il a offert au public de l’Impulstanz au Volkstheater un aperçu de l’histoire de la création d’une œuvre d’art particulière. Ce faisant, il n’a pas mis l’accent sur une approche iconographique et son arrière-plan philosophique. Bien au contraire. La timide progression de l’objet, équipé de gouttes de verre soufflé par un souffleur de verre palestinien, ne constitue que la toile de fond d’une histoire familiale racontée de manière plastique, qui se dérègle complètement à la fin du spectacle. Et elle constitue également la toile de fond d’une accusation très subtile d’Israël. Une accusation dans laquelle il n’y a ni vainqueurs ni vaincus, mais seulement des perdants.

Mais avant d’en arriver là, l’action s’intensifie de manière dramatique, sur fond de musique live de Maarten Seghers et de trois autres musiciens. Les parents Jan et Grace Ellen sont mis à rude épreuve par les actions de leurs enfants Romy Louise et Victor Lauwers. C’est alors que l’on se rend compte que les actions artistiques, aussi choquantes soient-elles, ne sont aujourd’hui ni choquantes ni originales. Une scène de coït coram public se transforme ensuite en un événement cauchemardesque d’un ancien soldat israélien traumatisé.

Les femmes, Grace Ellen, Romy Louise et Inge (la compagne de Victor), par leurs interprétations féministes, appuient fortement sur le gaz lorsqu’il s’agit d’aborder les œuvres d’art historiques, mais aussi les productions artistiques actuelles sous un angle nouveau. Cependant, toutes donnent l’impression de ne pas pouvoir s’opposer de manière cohérente à la domination masculine. Grace Ellen est brusquement interrompue par son mari alors qu’elle parle de son travail artistique. Romy Louise défend bec et ongles son partenaire Elik contre les questions de sa mère. Elle sait qu’Elik a tué en tant qu’ancien soldat israélien, mais elle ne veut pas en savoir plus et préfère laisser ces événements dans le non-dit du passé. Inge Van Bruystegem ne sort de son rôle d’employée d’atelier que lorsqu’elle parle de la vie d’Artemisia Gentileschi. Cette peintre de la Renaissance qui a été abusée par son professeur et qui a marqué l’histoire de l’art avec ses autoportraits. Elke veut montrer à tous de manière radicale que la peintre a été soumise à des vis pour vérifier son témoignage à charge, mais que rien n’est arrivé ensuite à son tortionnaire. Pour cela, elle accepte même d’inciter Victor à récidiver. Un jeune homme sensible qui refuse pourtant de se laisser faire.

Le maître absolu des événements familiaux est Jan Lauwers, qui fait représenter son alter ego sur scène par Benoit Gob. Bien que Lauwers commence par expliquer le scénario et par présenter tous les participants, il reste ensuite toujours en arrière-plan, observant et intervenant à peine. De temps en temps, des œuvres d’art apparaissent à l’écran, sur lesquelles Jan fait un bref exposé. Ensuite, on danse et on chante – Maarten Seghers fait preuve, lors de deux apparitions, de sa belle basse et de son ténor mélodieux. L’ensemble s’agace régulièrement du fait que l’entraînement électrique de l’œuvre d’art en verre ne fonctionne pas vraiment. Un renard mord la tête d’un pigeon dans le plus pur style dada et un rat s’impose régulièrement sur le devant de la scène pour donner son point de vue sur les choses.

Une scène en remplace une autre, les costumes changent et après la révélation que l’artiste Jan Lauwers s’abstient sexuellement pour ne pas perturber le flux énergétique de son œuvre d’art en verre, les choses se corsent vraiment dans la structure familiale et amicale. Le fait banal de l’abstinence sexuelle déstabilise complètement la structure familiale. Par la suite, une histoire d’infidélité qui s’est produite, se produit et se produira encore un nombre incalculable de fois sur cette terre dans une configuration presque identique.

On s’est ainsi complètement éloigné de la production artistique actuelle, mais aussi des réflexions historiques sur différentes œuvres d’art. On se dispute, on se reproche, on s’offense profondément et on n’est plus sûr qu’une vie de famille harmonieuse puisse encore s’établir après cette dispute. C’est la vie pleine de rebondissements qui passe au premier plan.

Toutes les questions théoriques sur l’art s’envolent. Le public peut se les poser lui-même à l’issue de la représentation. Ce qui reste, c’est la constatation qu’une œuvre d’art vit certes de récits. De celles qui se présentent par association ad hoc, mais aussi de celles qui sont rapportées à son sujet. Si l’objet tournant sur son axe et ses gouttes de verre bleu et turquoise se trouvaient dans un musée, rien n’indiquerait qu’il a été créé au milieu d’une tragi-comédie familiale. La loi non écrite selon laquelle une bonne œuvre d’art n’a pas besoin d’annexes biographiques pour être bonne se vérifierait alors.

Ce spectacle intelligent ouvre plus de questions qu’il n’apporte de réponses. Il cache plus qu’il ne montre – il laisse le public dans l’incertitude quant aux déclarations qui doivent être prises au pied de la lettre et celles qui suivent une dramaturgie purement théâtrale. La seule chose qui semble certaine est un cycle éternel. Un cycle qui est en fait interrompu par une course sans fin autour de l’objet d’art de tous les membres de la troupe. Les accessoires sont ramassés, traînés, puis lâchés pour être à nouveau ramassés par d’autres. L’éternel humain – le faire – reste la constante d’un processus créatif. Une production comme dans un livre d’images : intelligente, drôle, profonde, variée et divertissante. Et une production que l’on peut regarder plusieurs fois !
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Cet article a été traduit avec deepl.com
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